ALTOeCLARO: O RENASCIMENTO DO SOM PSICODÉLICO DA SAN FRANCISCO DOS ANOS 60 NOS NOVOS TRABALHOS DO HOT TUNA E DA STEVE MILLER BAND (por Chico Marques)

Lendo recentemente os obituários de Owsley "The Bear" Stanley – lendário engenheiro de som honoris causa dos shows do Grateful Dead, que acumulava as funções de conselheiro espiritual e químico diletante nos Acid Tests que a banda costumava promover --, fiquei pensando no que foi feito da magia que tomava conta não só dos shows das bandas psicodélicas, mas também do bairro de Haight Asbury e de toda a comunidade artística que morava ou circulava por lá.

San Francisco, como todos sabem, sempre foi berço de costumes libertários na ensolarada Califórnia -- nada a ver com o narcisismo corporativo da Grande Los Angeles e com o “zensurfismo” de San Diego. É uma tradição que remonta aos primórdios da cidade, que, desde a Era do Ouro, recebe de braços (mais ou menos) abertos a fauna mais variada de desalinhados da América – um fenômeno que se acentuou no pós-guerra, com o advento da Beat Generation, e que ganhou contornos ainda mais ostensivos na década de 1960, com a imigração de milhares de jovens de todos os cantos da América em busca de uma vida descomprometida dos valores do capitalismo e da caretice nouveau riche da América empreendedora.

Obviamente, a imensa maioria dos que chegavam a San Francisco todos os dias nos anos de explendor do “flower power” só queria mesmo se divertir no parque de diversões farmacológico e musical em que a cidade havia se transformado. Desnecessário dizer também que o “sonho americano hippie” morreu sufocado pelo crescimento avassalador do tráfico de drogas e da criminalidade na cidade – como pode ser visto ainda hoje em filmes como “Bullitt”, com Steve McQueen, e em séries de TV da época, como “San Francisco Urgente”, que lançou Michael Douglas ao estrelato.

Pois bem: passados quase 45 anos do “Verão do Amor” de 1967, o charme arrebatador do "San Francisco Sound" deixou de ser um segredo guardado a sete chaves. As sonoridades etéreas e envolventes -- comuns a grupos como Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane, New Riders Of The Purple Sage e It´s A Beautiful Day – foram facilmente dignosticadas dentro do universo musical do folk e do bluegrass, que, mesclados à música oriental e ao jazz, deram naquele jeitão curioso e meio displicente de tocar dos músicos da cidade.

Mas, voltando aos obituários de Owsley "The Bear" Stanley, o bonitão da foto acima, a questão que ainda persiste (para mim, pelo menos) é: Faz sentido nos dias de hoje creditar parte dessa personalidade musical do "San Francisco Sound" ao que na época era divulgado como “uma nova consciência coletiva” pelos pensadores pop? Eu gostaria de acreditar que sim, que aquele bando de malucos maravilhosos da Contracultura eram na verdade Deuses de algum Olimpo Lisérgico que abusaram de certas substâncias e, por algum acidente de percurso, vieram parar no Norte da California meio que por engano...

Mas deixando a fenomenologia psicodélica de lado, e olhando para trás com algum distanciamento empírico, o caso é que existe uma explicação lógica e nada mística para tudo isso. O "San Francisco Sound" soa estranho e envolvente por ser rock and roll tocado por músicos que só sabiam tocar instrumentos acústicos, e que estavam experimentando instrumentos elétricos pela primeira vez. Para eles, as guitarras tinham que ter sempre uma sonoridade bem aberta, como se fossem banjos ou mandolins. As alavancas eram completamente indispensáveis. E o volume tinha que estar sempre nas alturas. Como a maioria desses músicos que migraram para a cena musical da cidade vinham de vários cantos do país e de cenas musicais bem distintas umas das outras, eles trataram de adequar suas bagagens musicais à cor local de San Francisco. E, meio sem querer, reinventaram o rock and roll e o blues de uma maneira muito peculiar.

Aliás, o blues é um capítulo à parte no "San Francisco Sound". Todas as grandes bandas da Califórnia sempre fizeram questão de ter um número ou outro de blues em seu repertório, ainda mais depois que a Butterfield Blues Band explodiu na cena americana em 1966. Era um gênero que já fazia parte do cardápio musical da região, na medida em que muitos bluesmen veteranos reumáticos -- que haviam deixado o vento gelado de Chicago pelo clima ameno da Costa Oeste, e se estabelecido em Oakland, do outro lado da Baía de San Francisco -- começaram a ser descobertos por esses jovens músicos da cidade. Sobreviviam muitas vezes tocando na noite de Oakland e dando aulas durante o dia. Com isso, meio que acidentalmente, formaram toda uma geração de guitarristas, pianistas, gaitistas e cantores de blues à beira mar.

Jorma Kaukonen é um desses jovens guitarristas. Mergulhou de cabeça no folk blues e virou talvez a maior autoridade na obra musical do bluesman Reverend Gary Davis em toda a América. Como era também admirador do jazz de Charlie Christian e Django Reinhardt, Jorma esboçou seu estilo mesclando essas duas vertentes musicais. Daí, quis o destino que ele viesse a participar de uma banda de rock and roll – nada menos que o recém-formado Jefferson Airplane, cujo nome ele próprio escolheu, e onde conheceu seu parceiro e contrabaixista Jack Casady. De LP em LP do Airplane, Jorma e Jack, que eram exímios músicos acústicos, ajudaram a redimensionar o papel da guitarra elétrica e do contrabaixo elétrico na música da época. Um pouco mais adiante, já nos anos 1970, os dois criaram um projeto paralelo ao Airplane chamado Hot Tuna, que começou como um trio acústico e rapidamente evoluiu para o formato power-trio elétrico, à moda do Cream e do Jimi Hendrix Experience, bem ao gosto da época. Gravaram uma série impecável de 8 LPs para a RCA durante os anos 70, e mais alguns em selos independentes nos 1980 e 1990. Trabalham juntos sempre que possível.

Já Steve Miller é um caso diametralmente oposto. Fascinado pelo blues desde garoto em Milwalkee e Houston, circulou bastante pela noite de Chicago atrás de experiências e vivências musicais. Trabalhou com Buddy Guy e Jimmy Reed, e descobriu que poderia cantar blues quando ouviu o cantor e guitarrista J B Lenoir, que, assim como ele, tinha uma voz fraca e pouco encorpada, fugindo ao arquétipo do blues shouter clássico. Veio para San Francisco no vácuo da Paul Butterfield Blues Band, reuniu um grupo de músicos – entre eles, Boz Scaggs e Gary Mallaber -- numa banda que alternava material próprio com o papel de “banda cavalo” para vários bluesmen que passavam por San Francisco. Apesar do assédio constante dos “A&R Men” de várias gravadoras, demorou mais de um ano até a Steve Miller Band assinar com uma delas – no caso, a Capitol. Estreou finalmente em 1967, e se notabilizou logo de cara por incorporar sintetizadores ao blues e ao rock and roll antes de todos os seus colegas de geração, em LPs clássicos como “Children Of The Future”, ‘Sailor” e “Brave New World”, todos de 1968. Sumiram das paradas na virada dos 60 para os 70, mas voltaram com uma popularidade impressionante em meados dos anos 1970, em ‘The Joker” e “Fly Like An Eagle”, até pararem de gravar material próprio depois do fisco comercial do ótimo LP “Wide River”, em 1992.

Pois bem: tanto o Hot Tuna quanto a Steve Miller Band estão de volta com álbuns muito bons, que servem para manter o "San Francisco Sound" vivo e seu charme musical intacto.

”Steady As It Goes”, novo e surpreendente trabalho do Hot Tuna, vem cercado de grandes expectativas. É o segundo LP de estúdio da banda em 30 anos, e o primeiro com material inédito em 20. Agora no formato de um quinteto -- Jorma Kaukonen na guitarra e vocais, Jack Casady no contrabaixo, Barry Mitterhoff no mandolin, Larry Campbell no violino e Skoota Wagner na bateria --, nossos bravos rapazes setentões passeiam pelo passado musical glorioso da banda em 12 números acústicos e elétricos muito vigorosos, que incluem dois blues clássicos de Reverend Gary Davis devidamente repaginados, e ainda evocam a herança musical do Jefferson Airplane em dois rocks poderosos com participação da cantora Teresa Williams -- cujo timbre lembra, e muito, o de Grace Slick. “Steady As It Goes” foi gravado nos Estúdios de Levon Helm em Woodstock, NY, e celebra a amizade musical e pessoal de 50 anos entre Kaukonen e Casady, que mantém juntos uma Escola Livre de Música no interior de Ohio chamada Fur Peach Ranch. "Steady As It Goes" tem um jeitão de disco de despedida da banda. Mas pode ser engano. Afinal, Kaukonen e Casady são incansáveis, vai saber o que eles vão resolver fazer no ano que vem. Como eles próprios declaram na letra de “Second Chances”, a mais bela canção do disco, “for life is but a highway beneath tomorrow skies”.

Já ‘Let Your Hair Down”, da Steve Miller Band, vem na mesma linha de “Bingo!”, lançado no fim do ano passado. Composto por dez números bem ligeiros gravados nas mesmas sessões de “Bingo!”, sob a supervisão luxuosa do produtor Andy Johns, ‘Let Your Hair Down” tem seu repertório focado em blues e rhythm & blues clássicos de outros autores – todos revistos, atualizados, e com a sonoridade sempre jovial da Steve Miller Band. Aliás, esses dois LPs formam uma trinca impecável com o excelente “Living In The 20th Century”, de 1987. Não há aqui nenhuma novidade. Apenas a surpresa de ouvir Steve Miller cantando com a mesma voz de menino aos 68 anos de idade e tocando com a mesma urgência, a mesma destreza e o mesmo prazer ao longo desses vitoriosos 45 anos de carreira. Steve não tem mais nada a provar a quem quer que seja. Se quiser continuar nos brindando com novos trabalhos rápidos e rasteiros como esse daqui por diante, seguindo essa linha “mais do mesmo”, será sempre benvindo. Acreditem, não é pouca coisa.

Enfim, não dá para negar que alguma coisa muito interessante – e muito louca -- aconteceu em San Francisco na segunda metade dos anos 1960, tanto que seus ecos permanecem por aí até hoje, intactos, por mais que muitos dos ideais cultuados na época tenham sucumbido à dura realidade. Jorma Kaukonen afirma que, se não tivesse embarcado no avião dos Jeffersons, talvez nunca tivesse sido nada além de um músico folk obscuro. Steve Miller diz que, se não tivesse caído de paraquedas nas noites do Fillmore, talvez estivesse até hoje tocando blues na noite de Chicago e sofrendo de reumatismo.

Sendo assim, brindemos aos visionários que semearam a Cultura Pop de San Francisco pelo mundo afora, e que já se foram. Um brinde a Bill Graham, dono do Fillmore e do Winterland, notável agitador cultural. Um brinde a Hunter S. Thompson, cronista do apogeu e queda da Era Psicodélica. Um brinde a Ralph J. Gleason, crítico de jazz genial que fundou o jornal Rolling Stone e reinventou a imprensa musical. Um brinde ao Dr. Timothy Leary, pai do uso terapêutico do LSD e dos softwares alucinógenos. Um brinde a todas as bandas psicodélicas daquela época, e também a todas que mantém vivo até hoje o espírito do "San Francisco Sound".

E, claro, um brinde ao maravilhoso Owsley "The Bear" Stanley. Que as ninfas recepcionistas do tal Olimpo Lisérgico o recebam bem, e cuidem dele. Nosso ursinho merece do bom e do melhor.